Historia del diseño gráfico

• Joseph Niepce (1765-1833)

Heliogravure (Heliograbado)

• Louis Jacques Daguere (1799-1851)

Participó en la invención del diorama (representación con figuras y un fondo pintado).

Daguerotipo

• William Henry Fox Talbot (1800-1877)

Dibujos fotogénicos

Calotype o Talbotype

• Sir John Herschel (1792-1871)

Hizo innovaciones al usar tiosulfato de sodio para fijar o darle carácter permanente a la imagen al interrumpir la acción de la luz.

Denomino a la imagen invertida “negativo” y a la copia por contacto que recobraba los valores de la naturaleza la designó “positiva”.

• Abel Niepce de Saint Victor (1805-1870)

El procedimiento de la albúmina, por medio del cual se reviste una placa de vidrio con la clara de huevos batidos, a la que se agrega compuestos de yoduro de potasio, que luego podían ser sensibilizados con nitrato de plata.

• Frederick Archer (1813-1857)

Procedimiento de Colodión.

• John Calvin Moss

Pionero de un método de fotograbado.

• Firmin Gillot

Perfeccionó su método de guillotinado, para la transparencia fotográfica de imágenes litográficas a placas para impresiones tipográficas.

• Stephen H. Morgan

Fotograbado en medio tono.

• Max y Louis Levy, 1893

Produjeron tonos intermedios.

• David Octavius Hill (1802-1870)

Robert Adamson (1821-1848)

Tomaron fotografías para documentar el problema quizá el primer uso de la fotografía como medio de comunicación visual.

• Julia Margaret Cameron (1815-1879)

Produjero retratos que han sido aclamados por científicos, escritores y artistas, como una importante contribución a las imágenes que expresan la condición humana.

• F.T. Nadar (1820-1910)

Tomó las primeras fotografías aéreas desde un globo cautivo.

Fue el pionero de la fotografía de gas para fotografías las antiguas catacumbas y el extenso alcantarillado de París.

• Eadward Muybridge (1830-1904)

Desarrollo de la fotografía de movimiento.

LA GRÁFICA POPULAR DE LA ÉPOCA VICTORIANA

1. La época victoriana, fue una era en constante búsqueda de un estilo. La confusión estética llevó a diversos estilos de diseño, a menudo contradictorios.

2. Arquitecto inglés A.W. N. Pugin (1812). Diseño los detalles ornamentales del British House of Parlament. Fue el primer diseñador del siglo XIX, el cual definió el diseño como un acto moral que lograba la condición de arte a través de los ideales y las actitudes del diseñador. Pugi fue una excesiva imitación de la arquitectura gótica, los ornamentos y la forma de las letras.

3. Louis Prang (1824-1909). Impulsó el arte y llevó acabo competencias para tener temas en el uso de sus imágenes impresas.

4. Diseñador Inglés Owen Jones (1809-1874). Autor y autoridad en color, influenció en forma importante el diseño. Hizo un estudio sistemático del diseño islámico. Introdujo los ornamentos moriscos al diseño occidental en su libro Planos, elevaciones, secciones y detalles de la Alambra, de los años 1842-45.

5. El medio de producción de este género de gráficas populares victorianas fue la cromolitografía, una innovación de la revolución industrial que permitió que se imprimieran miles de copias de imágenes naturalistas, llenas de color.

EL DESARROLLO DE LA LITOGRAFÍA

1. Aloys Senefelder (1771-1834). Inventó la litografía (del griego literalmente “impresión sobre piedra”), en el año 1796. La litografía se basa en el sencillo principio químico se que el agua y el aceite no se mezclan.

2. Godefroy Engelmann. Impresor francés, designó el sistema cromolitografía, el cual se basaba en una placa generalmente impresa en negro y otras placas detrás de ésta proporcionaban la plasta de color o los matices.

LA ESCUELA DE CROMOLITOGRAFÍA DE BOSTON

1. William Sharp (nacido en el año 1803). Introdujo la cromolitografía en América.

2. Richard M. Hoe (1812-1886). Inventor americano y genio mecánico, perfeccionó la prensa litográfica giratoria que fue apodada “prensa relámpago” porque incrementaba seis veces más la producción litográfica, en relación con las prensas de imprimir planas entonces en uso.

3. John H. Bufford (muerto en 1870). Gran innovador de la cromolitografía en Boston, y un hábil dibujante cuyas imágenes dibujadas al crayón lograron un sorprendente realismo. Llegó a ser el primer litógrafo americano, no asociado con Sharp. Se especializó en impresos de arte, carteles, portadas e ilustraciones de libros y revistas y a menudo usaba cinco o más colores.

4. En el año 1864, los hijos de Bufford se asociaron a su empresa. El sello distintivo consistía en un dibujo tonal minucioso y convincente. Una preocupación muy importante del diseño gráfico de esta empresa era la integración de la imagen y los letreros en un diseño unificado.

5. las décadas de los años 1860 a 1900, fueron la mejor época de la litografía; esta llegó a ser el medio predominante para imprimir.

6. Prang en el año 1856 formó una empresa de cromolitografía con Julios Mayer . Prang puso relucientes colores en la vida de todos los ciudadanos por medio de la producción de millones de tarjetas de álbum, llamadas fragmentos ( o recortes).

Uno de los pasatiempos victorianos más importantes era coleccionar estos “bellos trocitos de arte”.

A Prang se le llamo el “Padre de las tarjetas de Navidad de Estados Unidos”, por su trabajo pionero en gráficas para las celebraciones de las fiestas.

A fines de la década del año 1860 había comenzado a producir imágenes de Navidad propias para ser enmarcadas.

En la década del año 1870 los álbumes cromolitográficos evolucionaron a tarjetas de publicidad comercial.

7. Sin tradiciones y sin los límites de la impresión con tipo, los diseñadores cromolitográficos podían inventar cualquier tipo de letra; el litógrafo tenía una gama ilimitada de colores brillantes y llenos de vida que como tales no se habían visto en las comunicaciones impresas.

La cromolitografía comenzó a desalojar del mercado a los carteles tipográficos.

8. Las empresas q alcanzaron un alto nivel de diseño victoriano y que produjeron atractivos diseños gráficos: Schumacher y Ettlinger Litografía de Nueva York, la Cía Strobridge Litho., la compañía Krebs Litographing en Cincinnati y A. Hoen y Cía de Baltimore y Richmond.

9. A mediados de la década del año 1890, la época de oro de la cromolitografía estaban llegando a su fin. El cambio de gusto del público y el desarrollo del fotograbado, hacian obsoleto el uso de cromolitografía. Quizá el fin de la era cromolitográfica se observó en el año 1897.

LA BATALLA DE LAS CARTELERAS

1. La litografía era el medio gráfico que permitía una aproximación más fluida al lenguaje de la imagen en la comunicación pública.

2. A finales de la década del año 1840, se imprimieron carteles bajo la firma de la casa impresora francesa de Rouchon. Fue el pionero del impacto gráfico que pudo lograrse por medio de la simplificación.

Una insólita cualidad de diseño de los carteles de Rouchon era el uso sin precedente de colores brillantes, a menudo violentamente contrastantes, que hacían que las imágenes aparentemente saltaran de las carteleras, a diferencia de lo que pasaba con los diseños gráficos más típicos de la época.

3. Desde los años de 1860, James Reilley de Nueva York diseñaría formas ingeniosas para incrementar el impacto pictórico de los carteles de impresión tipográfica.

4. Jules Chéret (1836-1932) fue un importante diseñador en el desarrollo de los carteles litográficos en Francia, quien llevó al cartel desde su complejo estilo victoriano anterior y lo adentró, sin reservas, al siglo XX, perfilándose como uno de los innovadores del estilo Art Nouveau más importante.

5. las gráficas victorianas impresas por cromolitografía fueron prototipos de un nuevo lenguaje visual que invadiría Europa durante los últimos años del siglo.

IMÁGENES PARA NIÑOS

1. Walter Crane (1845-1915), fue uno de los primeros y más influyentes diseñadores de libros ilustrados para niños.

Crane permaneció en el escenario del diseño ya en pleno siglo XX. jugó un importante papel en el movimiento de las Artes y Oficios y tuvo una significativa repercusión sobre el diseño y la educación artística.

2. Randolph Caldecott (1846-1886), desarrollo una pasión por el dibujo y poseía un devastador sentidos de lo absurdo y su habilidad para exagerar ligeramente los movimientos y las expresiones faciales tanto de la gente como de los animales le dio vida a su trabajo.

Su sentido del humor y sus alegres dibujos fueron un modelo muy importante de libros para niños y películas animadas.

3. Las expresiones de las experiencias de la infancia de Kate Greenaway (1846-1901), captaron la imaginación de la era victoriana, aunque su trabajo era estático y sin un sentido del humor. Como poetisa e ilustradora, Greenaway creó un modesto y pequeño mundo de felicidad infantil; como diseñadora de libros, algunas veces, llevó su gracioso sentido de composición de páginas a niveles innovadores. Espacios en blanco, siluetas de imágenes y equilibrio asimétrico se combinan con un suave sentido del color para originar páginas de gran encanto.

EL ASCENSO DEL DISEÑO EDITORIAL Y PUBLICITARIO

1. En Nueva Cork en el año 1817, los hermanos James (1795-1869) y John (1797-1875) Harper, establecieron una imprenta. Sus hermanos menores Wesley (1801-1870) y Fletcher (1807-1877) se unieron a la empresa en los años 1823 y 1825 respectivamente.

Para mediados del siglo, Harper y Hnos. había llegado a ser la empresa publicitaria e impresora más grande el mundo.

2. Durante la década del año 1840, Harper y Hnos. lanzó un proyecto monumental que estaba destinado a convertirse en el máximo logro del diseño gráfico y la producción de libros hasta la fecha en la historia del joven país, la Nueva Biblia Pictórica e Iluminada de Harper.

3. Joseph A. Adams, invento un procedimiento de electrotipia. Esto implicaba ejercer presión sobre el grabado en madera dentro de cera, para hacer un molde (el cual se espolvoreaba con grafito para hacerlo electroconductor, fabricando luego un eletrodepósito de metal -generalmente cobre- dentro del molde).

4. Thomas Nast (1840-1902), un precoz y talentoso artista se le conoze como “El padre de las Caricaturas Políticas de los Estados Unidos”

5. Edwin Austin Abbey (1852-1911) un experto en dibujos a pluma

6. Charles Dana Gibson (1867-1944), es el creador de bellas mujeres jóvenes y hombres de mandíbula cuadrada que establecieron reglas de perfección en los prototipos durante décadas.

7. Arthur B. Frost (1851-1928) llegó a ser querido por sus dibujos a pluma de animales y campesinos americanos.

8. Howard Pyle ((1853-1911), su trabajo y sus notables dotes como maestro lo convirtieron en la fuerza más importante que lanzó la etapa conocida como “La edad de Oro de la Ilustración Estadounidense”.

9. Uniendo las décadas del año 1890 hasta las del año 1940, se observa que en esta época, las comunicaciones visuales en Norteamérica quedaron bajo el dominio del ilustrador.

10. La repercusión de la fotografía, la nueva herramienta de las comunicaciones, sobre las ilustraciones gráficas puede ser rastreada en la carrera de Pyle, que evolucionó con las nuevas tecnologías para la reproducción

11. En el año 1893, Pyle logró otro avance cuando el iluistrador de 40 años realizó su primera ilustración a dos colores.

12. En el año 1841, Volney Palmer de Filadelfia abrió la que se considera la primera agencia de publicidad. Vendía espacio a los editores; la agencia de publicidad como empresa de consulta con un conjunto de especialidades fue promovida por otro agente de publicidad de Filadelfia, N.W. Ayer ehijo.

13. Ayer daba a sus clientes un contrato abierto que les permitía tener acceso a los precios reales que cobraban las publicaciones.

En la década del año 1800 Ayer afirmó la idea de que una agencia de publicidad debía proporcionar los servicios que los clientes no podían realizar y que los editores no ofrecían; a fines de siglo, Ayer estaba bien encaminado para ofrecer un espectro completo de servicios: redacción de textos publicitarios, dirección de arte, producción y selección del medio.

LA MECANIZACIÓN DE LA TIPOGRAFÍA

1. Componer los tipos a mano, luego redistribuirlos a la caja de imprenta seguía siendo un procedimiento lento y costoso.

2. La primera patente de una máquina de composición quedo registrada en el año1825. Para cuando Ottmar Mergenthaler (1854-1899) perfeccionó su máquina de linotipo en el año 1886.

3. El 3 de julio de 1886, Ottmar Mergenthaler, hizo una demostración de su máquina operada con teclado en las oficinas del New Cork Tribune. Whitelaw Reid, el editor del Tribune, según se dice, exclamó: “¡ Tomar, lo has logrado! ¡Una línea de tipo!.

EL MOVIMIENTO DE ARTES Y OFICIOS

En el siglo XIX, la producción de libros fue un desastre de la Revolución Industrial. William Pickering (1796-1854) jugó un importante papel en la separación del Diseño Gráfico de la producción imprensa, pues control sobre el diseño del formato, la selección de tipos, las ilustraciones y todas las demás consideraciones visuales.

Pickering y Charles Whittingham (1795-1876) establecieron una cordial relación de trabajo entre el editor-diseñador y el impresor.

El movimiento de las Artes y Oficios floreció en Inglaterra durante las últimas décadas del siglo XIX, y fue una reacción contra la confusión artística moral y social de la Revolución Industrial. Se defendió el diseño y el regreso a la destreza manual.

El guía del Movimiento de las artes y oficios William Morris (1834-1896), demandó una reconsideración de los propósitos, valorar la naturaleza de los materiales y métodos de producción, así como las manifestaciones individuales tanto del diseñador como del trabajador.

Profundamente preocupado por los problemas de ka industrialización y el sistema de fábricas, Morris trató la falta de gustos de los artículos de producción masiva y la falta de mano de obra honesta, podían ser evitadas uniendo el arte y el oficio. El arte y el oficio podían combinarse para crear objetos bellos desde edificios hasta ropa de cama. El desaliento por la injustificable destrucción de la herencia arquitectónica, lo motivó a fundar la Sociedad para la Protección de Antiguos Edificios llamada “Anti-Scrape”(“Antimigajas”).

Durante las décadas de los años 1880 y 1890, el Movimiento de las Artes y Oficios fue defendido por cierto número de sociedades y gremios que buscaban establecer comunidades artísticas democráticas, unidas para el bien común.

Arthur H. Mackmurdo (1851-1942), un arquitecto que se inspiró en las ideas y los logros de Morris en el diseño aplicado. Encabezó a un grupo juvenil de artistas y diseñadores que se asociaron en 18882 para formar La Comunidad del Siglo; la finalidad de la Comunidad era “rendir homenaje a todas las ramas de l arte en el círculo de acción, ya no del comerciante al por menor si no al artista”. Las artes del diseño se elevaron al “lugar que les correspondía al lado de la escultura y la pintura”. El grupo desarrolló una nueva estética del diseño al tiempo que incorporaban en su trabajo ideas de diseño japonés y del renacentista. Sus diseños gráficos proporcionaron el eslabón del Movimiento de las Artes y Oficios con la estilización floral del Art Nouveau.

Como una muestra del trabajo de los integrantes de la comunidad, se publicó El caballito de Juguete del Gremio del Siglo por primera vez en el año 1884, y era la primera revista finamente impresa, dedicada exclusivamente a las artes visuales.

En el año 1881 exploró con modelos florales abstractos entrelazados en el respaldo de una silla tallada, lo que ha caído en desuso.

El Caballito de Juguete, que buscaba proclamar la filosofía y metas de la Comunidad del Siglo, fue producida con esmero y dedicación. Se trataba de una revista donde fluían un cuidadoso arreglo y composición tipográfica, papel hecho a mano e intrincadas ilustraciones en bloques de madera, cualidades que la convirtieron en precursora del creciente interés por las artes y oficios en la tipografía, el diseño gráfico y la impresión. Además del Arte Nuevo, Mackmurdo fue el precursor del movimiento de las prensas de propiedad privada y del renacimiento del diseño del libro. Se trataba de una preocupación estética por el diseño y la producción de libros bellos, recuperar las normas del diseño, las cualidades de los materiales y la destreza en la impresión que existían antes de la Revolución Industrial. El Caballito de Juguete fue la primera publicación de la década de los años 1880 que introdujo la teoría y el diseño británicos al público europeo y que consideró la tipografía como una forma de diseño. Las dificultades del diseño tipográfico, incluyendo los problemas de las proporciones y los márgenes, el espaciamiento de los tipos y las guías entre los renglones, la selección de papel y los tipos de letra. Morris descubrió grandes posibilidades en el diseño de libros, pues admiraba las páginas tipográficas bien elaboradas, el interlineado amplio y la escrupulosa impresión llena de vida con ilustraciones de grabados de manera cortados a mano, las piezas de encabezado y el remate, y las mayúsculas ornamentadas.

En un artículo titulado “sobre la unidad del arte” en la edición de Enero del Caballito de Juguete, en el año de 1887, Selwyn Image argumento que todas las formas de expresión visual merecían la condición de arte. Increpó a la real academia de Arte, comendando que su nombre fuera cambiado a Real Academia de Pintura al Óleo, por sus limitaciones en relación con la escala total del Arte y Diseño.

Image concluyó que “cuando uno empieza a darse cuenta que todas las clases de lo que se ha inventado, forma, tono y color, son igualmente verdaderas y los aspectos honorables del arte, lo que ve es algo muy parecido a una revolución asomándose delante de usted.

La comunidad del siglo se disperso en el año de 1888.

Ciertos grupos de personas preocupados por el renacimiento del trabajo manual se asociaron para formar el gremio de los trabajadores de arte en el año de 1884; en el año de 1888 se formo la sociedad de artes mancomunadas y en Octubre del mismo año se cambio a Sociedad de Exhibición de Artes y Oficios. Emery Walker dijo que “los ornamentos de cualquier clase, grabados o trabajos sobre modelos, deben formar parte de la pagina, y de la parte del esquema global del libro”. Walker consideraba el diseño de libros similar a la arquitectura, pues solo una planeación cuidadosa de todos los aspectos – el papel, la tinta, el tipo, el espaciamiento, los márgenes, las ilustraciones, y los ornamentos podían dar como resultado la unidad del diseño.

Morris decidió aventurarse en el diseño de tipos de letra e impresión.

Morris llamo dorado a su primer tipo de letra porque su plan original era imprimir la leyenda de oro. El tipo dorado esta basado en los caracteres dorados llamados Venecianos, diseñado por Nicholas Jenson entre los años 1470 y 1476.

La fundición del tipo dorado se inicio en Diciembre del año de 1890.

Morris desarrollo el tipo Troy, un estilo de letras Góticas cuyos caracteres son notablemente legibles. Morris hizo los caracteres mas anchos que la mayor parte de los tipos góticos, aumento las diferencias entre los caracteres similares e hizo mas redondos los caracteres curvos. Una versión más pequeña del tipo Troy llamada Shauser fue la ultima de los tres diseños de tipo de letras de Morris.

Morris diseño 664 bloques para la prensa, incluyendo las iniciales, los bordes, los marcos y las portadas. Primero bosquejaba ligeramente a lápiz la líneas principales. Luego, trabajaba de un lado a otro con pintura de color blanco y tinta de color negro, pintando el fondo de color negro y, sobre el, el modelo en color blanco.

La paradoja de Morris es que mientras buscaba refugio en la artesanía del pasado, desarrollaba actitudes de diseño que proyectaban el futuro. Su demanda por la destreza, la honestidad en los materiales, el hacerlo utilitario, hermoso y adecuar la concepción del diseño para que fuera práctico, fueron actitudes adoptadas por las generaciones siguientes que buscaban unificar, no las artes ni los oficios sino el arte y la industria. Morris enseño que el diseño podía llevar el arte a la clase trabajadora, pero sus exquisitos mobiliarios y los magníficos libros sólo estaban disponibles para los ricos.

El concepto de Morris del libro bien hecho, sus bellísimos diseños de tipos de letra, su sentido de la unidad del diseño y de los mas pequeños detalles relacionados con el concepto total, inspiraron a toda una nueva generación de Diseñadores de libros. Esta cruzada por la destreza manual trajo consigo el retorno a los libros bien diseñados y perduró hasta bien avanzado el siglo XX.

Los libros conformaban un todo armonioso y sus paginas tipográficas fueron concebidas y realizadas a partir de lo que se suponía un estilo ameno.

Después de la muerte de Morris, Ashbee inició la imprenta Essex House. El salterio del año 1902 fue la obra maestra de diseño de dicha imprenta, el texto es una traducción del arzobispo Thomas Granmer De Canterbury, y esta en un dialecto del ingles del siglo XVI. Para cada salmo Ashbee desarrolló un programa gráfico consistente en un número romano, un título latino en mayúsculas rojas, un titulo descriptivo en ingles impreso en mayúsculas negras, una inicial ilustrada grabada en madera y el cuerpo del salmo. Los versos están separados por ornamentos de hoja grabados en madera, impresos en rojo. El diseño de Ashbee para el tipo de la Essex House era una mezcla entre un tipo egipcio y romano.

En el año de 1900 el encuadernador de libros T. J. Cobden-Sanderson se asocio a Emery Walker para establecer la imprenta Doves en Hammersmith ellos se preocuparon por atacar el problema de la tipografía pura argumentando que el deber global de la tipografía es comunicar a la imaginación, incidentalmente y sin perdida, el pensamiento o la imagen que el autor intenta transmitir.

Los libros de la imprenta Doves, son libros tipográficos notablemente hermosos. Para producir un inspirado diseño gráfico se usó fino papel, perfecto trabajo tipográfico y exquisito espaciamiento y tipo; utiliza unas cuantas iniciales diseñadas por Edwar Johnston maestro calígrafo del movimiento de las artes y de los oficios que se inspiró en Morris.

El efecto de largo alcance de Morris constituyó un mejoramiento significativo del diseño del libro y de la tipografía en todo el mundo. En Alemania, esta influencia provocó una renovación de las actividades de las artes y los oficios, nuevos tipos de letras maravillosos y adelantos importantes en el diseño de libros.

El hombre mas importante de las letras alemanas fue Rudolf Kosh consideraba el alfabeto como un logro espiritual supremo de la humanidad. Basándo su trabajo en la caligrafía con trazo a pluma, antes de la primera guerra mundial, Kosh buscó la experiencia medieval mediante el diseño y rotulado de libros de libros manuscritos hechos a mano; trato de edificar la expresión simple y original de sus materiales y gestos sobre la tradición caligráfica. Después de la guerra Kosh recurrió a grabados de letras, los pliegos sueltos y las artesanías y posteriormente se asocio con la fundidora de tipos Klingspor. Sus diseños de tipos van desde interpretaciones originales de las letras medievales hasta los diseños nuevos e inesperados como las letras rechonchas y toscamente labradas de sus tipos Neuland.

En norte América, la ultima fase del movimiento de las artes y oficios, la revitalización de la tipografía y el diseño de los libros, fue impulsada por Goudy quien inicio la imprenta Camelot y diseño su primer tipo de letra con el nombre de Camelot, su dibujo a lápiz de mayúsculas fue enviado por correo a la fundición de tipos Dickinson.

Goudy diseño un total de 122 tipos de letra, algunos cuantos tipos nunca fueron producidos, pero que tomaban en cuenta variaciones itálicas y romanas de dos caras. La variedad y destreza de su trabajo hacen de Goudy el mas prolífico diseñador estadounidense de tipos.

En el año de 1923 Goudy estableció la villa de fundición de letras. Ahí diseño, fundió, y vendió tipos y también corto matrices, estereotípicas.

Al terminar el siglo un alumno de Goudy llamado William Addison Dwiggins creo la frase Diseñador Grafico. En el año de 1938, Dwiggins diseñó el caledonia, uno de los tipos más ampliamente utilizados para libros en norte América.

En 1915 se diseño el tipo de letra Sentaur por Royer. Este tipo se utilizo por primera vez en diseño que Royer realizó para Sentaur de Maurice de Guerin que, es uno de los diseños de libros más elegantes.

Royer era casi un diseñador intuitivo, poseía un notable sentido de la proporción y la precisión visual. El diseño es un proceso donde se toman decisiones, la culminación de las sutiles selecciones del papel, el tipo, los márgenes, la interlineación y otros aspectos que pueden combinarse para originar una unidad o un desastre.

EL ART NOUVEAU Y EL CAMBIO DEL SIGLO

Dos décadas contemplaron (del año 1890 al año 1910, aprox.) el desarrollo de un estilo decorativo que dejó huellas en todo el mundo.

El Art Nouveau es el “estilo de transición” que se desvió del historicismo que dominó al diseño durante la mayor parte del siglo XIX. El historicismo es el uso casi servil de las formas y los estilos del pasado, niega la invención de nuevas formas para expresar el presente. Al reemplazar el historicismo por la innovación, el Art Nouveau se convirtió en la fase inicial del movimiento moderno. Preparó el camino del siglo XX al eliminar este espíritu decadente del diseño.

El Art Nouveau estaba a menudo gobernado por – y evolucionaba con- el diseño del ornamento. Esto determinaba un principio nuevo del diseño: la decoración, la estructura y la función propuesta están unificadas. Debido a que las formas y las líneas del Art Nouveau eran a menudo inventadas en lugar de copiarse de la naturaleza o del pasado, se logró una revitalización del proceso de diseño que apuntaba hacia el arte abstracto.

Los diseñadores gráficos y los ilustradores del Art Nouveau trataron de hacer del arte parte de la vida cotidiana; fueron capaces de mejorar significativamente la calidad visual de las comunicaciones masivas.

El carácter internacional del Art Nouveau fue posible gracias a los avances de la tecnología de la transportación y comunicaciones. La comunicación entre los artistas de varias naciones, principalmente por intermedio de la imprenta, permitió que sus trabajos y conceptos se conocieran recíprocamente.

La influencia de la pintura de fines de la década de 1880 que se encontraba bajo el hechizo oriental fue muy importante. Las formas turbulentas de Vicent Van Gogh (1853-1890), los colores uniformes y contornos orgánicos estilizados de Paul Gauguin (1848-1903), y el trabajo del grupo Nabis de artistas jóvenes, desempeñaron un papel fundamental. Los Nabis exploraron colores simbólicos y modelos decorativos. Dedujeron que una pintura era, ante todo, un arreglo de color de patrones bidimensionales.

CHÉRET Y GRASSET

La transición de los gráficos victorianos al estilo Art Nouveau fue gradual. Dos artistas gráficos que trabajaban en París, Jules Chéret (1836-1933) y Eugéne Grasset (1841-1917), jugaron importantes papeles en la transición.

En el año 1881 una nueva ley francesa referente a la libertad de prensa, suprimió muchas restricciones de censura y permitió que los carteles fueran colocados en cualquier parte, excepto las iglesias, urlas electorales u áreas designadas para anuncios oficiales. Esta nueva ley trajo consigo una industria floreciente de carteles, de diseñadores, impresores y afficheurs (pega carteles), las calles se convirtieron en galerías de arte para la nación.

Jules Chéret aclamado como el padre del cartel moderno incluyó la belleza idealizada y el estilo de vida alegre pintados por Watteau y Fragonard, la luminosidad de color de Turnes y la agitación de movimiento de Tiepolo, cuyas figuras expresaban energía y movimiento por medio de contorsionantes torsos y extremedidades extendidas.

Durante la década del año 1880 Chéret, utilizó una línea negra con los colores primarios: rojo, amarillo y azul. Con estos brillantes colores logró una vitalidad gráfica y una sutil sobreimpresión permitió una escala sorprendente de efectos y de color. Graneado y sombreado; suaves baños tipo acuarela y atrevidos trazos de color caligráficos; rasguños, raspaduras y salpicaduras fueron todos usados en su trabajo. Su composición típica es una figura central o figuras con gesticulaciones animadas rodeadas de remolinos de color, figuras secundarias o apoyos y letreros atrevidos que a menudo son una resonancia de las formas y gestos de la figura.

Un erudito ha apodado a Chéret como “el padre de la liberación femenina” porque sus mujeres comenzaban a tener un nuevo papel ante la sociedad de su época, al mismo tiempo que la era victoriana cedía a la época alegre de los 90.

Eugéne Grasset, suizo de nacimiento, fue el primer diseñador-ilustrador que rivalizó con Chéret en popularidad pública. Uno de sus logros más importantes en el diseño gráfico y la tecnología tipográfica, es la publicación L. Histoire des Quatre fils Aymon (Historia de los cuatro hijos Aymon), del año 1883, que fue diseñado e ilustrado por Grasset. El diseño es importante por su integración total de ilustraciones, formatos y tipográfias.

Grasset, desarrolló un “estilo de libros de iluminar” de dibujos en grueso contorno negro y áreas planas a color.

La composición formal de Grasset y los colores de baja intensidad, contrastaban fuertemente con el trabajo de colores brillantes compuestos informalmente por Chéret. A pesar de la actitud ligada a la tradición de Grasset, su línea fluida el color subjetivo y los motivos florales siempre presentes, apuntaban hacia el Art Nouveau fránces.

EL ART NOUVEAU INGLES

En Inglaterra el movimiento del Art Nouveau se preocupaba más por el diseño gráfico y las ilustraciones que por el diseño arquitectónico y de productos. Sus orígenes incluyeron el arte gótico y la pintura victoriana.

Autrey Beardsley fue el niño terrible del Art Nouveau, con su excelente manejo de pluma, sus vibrantes blanco y negro y su fantasía escandalosamente exótica.

La fuerte influencia de Kelmscott se vio aumentada por distorsiones imaginativas y extrañas de la figura humana y poderosas formas negras. Las impresiones japonesas hechas con bloques de madera y las de William Morris fueron sintetizadas en un nuevo estilo. La línea singular de Beardsley fue preservada por el método de bloques de madera grabados fotográficamente, el cual a diferencia de los bloques cortados a mano, conserva completa fidelidad del arte original.

Charles Ricketts, fue el principal competidor de Beardsley entre los diseñadores gráficos ingleses que trabajaron en la alborada del Movimiento de Las Artes y los Oficios y en la cumbre del Art Nouveau; su trabajo de Ricketts se basaba en una profunda comprensión de la producción impresa. Mientras Beardsley se inclinaba por las ilustraciones que podían insertarse entre páginas de tipografía. Ricketts abordaba el libro como una entidad total para ser diseñado por dentro y por fuera, concentrándose en la armonía de las partes: encuadernación, las hojas finales, las portadas, la tipografía, los ornamentos y las ilustraciones.

La disposición de páginas de Ricketts es más ligera, sus ornamentos son más abiertos y geométricos y sus diseños tienen una vivida luminosidad. En complejo enlace de ornamentos del diseño céltico y las figuras planas estilizadas, pintadas sobre jarrones griegos que estudió en el Museo Británico, fueron inspiraciones muy importantes; aprendió a denotar figuras y vestimentas con un mínimo de líneas y configuraciones planas sin modulación tonal.

Al terminar el siglo el bien conocido autor Laurence Housman (1865-1959) se mantenía en actividad como diseñador de libros. Argumentando que sería igual de irrazonable pedirle a los diseñadores de libros trabajaran siempre con los tamaños de formato reglamentario. Diseñó libros altos, angostos y cuadrados. Sus portadas eran a menudo únicas e informales y sus diseños decorativos eran ejecutados con minucioso detalle.

Uno de los mas notables momentos en la historia del diseño gráfico es la breve carrera de los Beggarstaff. James Pryde y William Nicholson; desarrollaron una nueva técnica que más tarde se llamó collage. Recortes de papel se entremezclaban, cambiaban y pegaban en posición sobre el tablero. El estilo resultante se superficies coloreadas absolutamente planas tenían bordes “delineados” con tijeras. Los Beggarstaff fueron inmunes al prevaleciente Arte Nuevo floral, pues forjaron este nuevo método de trabajo en carteles de siluetas y figuras de potentes colores.

EL DESARROLLO DEL CARTEL DEL ART NOUVEAU FRANCES

Los artistas más jóvenes que frisaban los 20 años: Henri de Toulouse – Lautrec (1864-1901), Georges Auriol (1863-1939) y el artista suizo Théophile-Alexandre Steinlen (1859-1923).

Steinlen, ilustrador prolífico durante las décadas de los años 1880 y 1890, sus puntos de vista políticos radicales, afiliación socialista y actitudes anticlericales lo llevaron hacia un realismo social que describía la pobreza, la explotación y la clase trabajadora.

Experimentó con colores sutiles sobreimpresos para crear colores adicionales. Existe afinidad en la línea fluida reporteril y las plastas de color entre los carteles y las impresiones de Steinlen y los de Toulouse -Lautrec. Steinlen mantuvo una cualidad naturista.

Henri de Toulouse -Lautrec fue admirador del arte japonés, el impresionismo y los contornos y diseños de Degas. Desarrollo un estilo ilustrativo y periodístico que captó la vida nocturna de la belle epoque (“la bella época”, un término usado para describir el París reluciente de los últimos años del siglo XIX). Fundamentalmente grabador, dibujante y pintor. Su dominio del dibujo directo sobre piedras litográficas era extraordinario.

Alphose Mucha (1860-1939), afirmo que el arte era eterno y nunca podría ser nuevo, el desarrollo posterior de su trabajo y del cartel visual está inseparablemente ligado a este difuso movimiento internacional y deben ser considerados como parte de su desarrollo.

Así como el Movimiento de las Artes y los Oficios inglés representaba una influencia importante en el Arte Nuevo de ese país, las curvas ligeras y caprichosamente fluidas del Rococó francés del siglo XVIII constituían un recurso especial en Francia. El arte nuevo fue aclamado como el estilo moderno hasta diciembre del año 1895.

El diseño gráfico, más efímero y oportuno que la mayor parte de otras formas de arte, comenzó a codificar rápidamente hacia la fase floral del Arte Nuevo al tiempo que Chéret, Grasset, Toulouse-Lautrec, y especialmente Mucha, incorporaban en su trabajo motivos de Arte Nuevo.

Desde el año1895 hasta el año 1900, el Arte Nuevo encontró su manifestación más amplia en el trabajo de Alphonse Mucha. Su tema dominante era una figura central femenina rodeada de formas estilizadas, derivadas de plantas y flores, arte tradicional de Moravia, mosaicos bizantinos y aun lo mágico y oculto. Era tan penetrante su trabajo que ya en el año 1900 hablar sobre el estilo Mucha implicaba referirse de manera muy directa al arte nuevo. Sus mujeres proyectan un prototípico sentido de irrealidad. Exóticas y sensuales, y sin embargo con semejantes a doncellas, no expresan una edad especifica, nacionalidad o época histórica. Sus peinados estilizados llegaron a ser un distintivo de la época, a pesar de los detractores que desechaban este aspecto como “fideos y espagueti”.

Paul Berthon (1872-1909), discípulo de Grasset, impulsó el estilo de Art Nouveau hacia la suavidad. Utilizó los fuertes contornos de Grasset, estilizadas formaciones de sombras japonesas y flores, pero el perfil del color era opaco y se mezclaba con los planos a color y las flores amenazaban convertirse en motivos de diseño repetitivos.

El Arte Nuevo encontró una de sus expresiones arquitectónicas más completas en el trabajo de Héctor Guimanrd (1867-1942), cuyas puertas y pabellones de hierro y vidrio para el metro de París, lograron expresión visual y fueron construidos con métodos de manufactura industrial y producción en serie.

Además de los gráficos, Mucha diseñó muebles, tapetes, ventanas de vidrios a color y fabricó otros objetos. Publicó libros de modelos, incluyendo Combinaisons ornamentales (Combinaciones Ornamentales) en colaboración con Maurice Verneuil (1869-después de 1934) y Georges Auriol (1863-1939), que difundieron el estilo del Arte Nuevo.

EL ART NOUVEAU LLEGA A NORTEAMÉRICA

El arte gráfico francés y británico unieron sus fuerzas para invadir Norteamérica.

Louis Rhead y William H. Bradley (1868-1962) son conocidos como los dos más importantes profesionales americanos del diseño gráfico e ilustraciones inspirados en el L´Art Nouveau.

La industria publicitaria de los Estados Unidos fue la primera en adoptar el cartel visual. Por medio de carteles nuevos libros también fueron anunciados.

El trabajo de Rhead algunas veces mezclaba una gran cantidad de influencias. Modelos decorativos, restos de diseño victoriano, formas inspiradas por el Movimiento de las Artes y Oficios, también algunas veces se combinan en sus diseños patrones lineales abstractos que describen curvas.

Mientras que Rhead adoptó el cartel francés como modelo, el vigoroso, desinhibido y enormemente talentoso William Bradley se inspiró en fuentes inglesas; a los 19 años se convirtió en diseñador tipográfico en la compañía impresora Knight & Leonard.

A principios del año 1894, Bradley descubrió el trabajo de Autrey Beardsley, que lo llevó a la producción de figuras planas y contornos estilizados. El trabajo de Bradley del años 1894 para El libro del joven y El impresor nacional marca el inicio del Art Nouveau en Norteamérica. Bradley uso el estilo de Beardsley como escalón para lograr técnicas gráficas novedosas y unidad visual de tipo e imagen que fueron más allá de la imitaciones.

Bradley era un libre pensador en su aproximación al diseño tipográfico y se burló de todos los convencionalismos y reglas prevalecientes. Las últimas décadas de su larga carrera significaron mucho para la evolución del diseño editorial del siglo XX.

Ethel Reed (nacida en 1876) se convirtió en la primera mujer en Norteamérica que alcanzó importancia nacional por su trabajo como diseñadora gráfica e ilustradora; se mantuvo activa como diseñadora de carteles para los editores de Boston Copeland & Day y Lamson, Wolffe y Compañía.

Edward Penfield (1866- 1925) evolucionó hacia un estilo maduro de dibujo de contornos con superficies planas a color. Al eliminar el fondo, Penfield forzaba al espectador a enfocar la figura y las leyendas. Penfield dibuja con líneas fluidas vigorosas y sus superficies planas a color a menudo eran terminadas con una técnica magistral de graneado. Lo no esencial era eliminado y los medios visuales se usaban para comunicar una idea.

INNOVACIONES EN BÉLGICA

El Art Nouveau surgió a la vida Bélgica a mediados de la década del noventa. Enclavado entre Francia y Alemania, este pequeño país había experimentado el comienzo del fermento creativo durante los años de 1880, cuando el Cercle des XX (círculo de los 20) se integró para procurar que las formas más nuevas del arte se exhibieron fuera del concepto del arte de salón. A mediados de la década del año 1890, el Arte Nuevo belga llegó a ser una fuerza significativa.

Tal vez el genio del movimiento fue el arquitecto belga, barón Victor Horta (1861- 1947). Su casa del año 1892 para Emile Tassel fue unificada por sistemas curvilíneos colgantes, diferentes a cualquier cosa vista hasta entonces en Inglaterra o en el continente.

Privat Livemont (1861- 1936); este maestro pintor originó cerca de tres docenas de carteles fuertemente inspirados por las mujeres idealizadas de Mucha, con cabello colgante y profusos ornamentos. Su innovación más importante fue un doble contorno que separa la figura del trasfondo. El contorno oscuro se trazaba con una gruesa banda blanca, que aumenta el impacto de la imagen al colocarse en la cartelera.

Gisbert Combaz (1869-1941) fue miembro prominente de la Libre Estética, organización que se derivó del Círculo de los 20 en el año 1893. En muchos de sus carteles de exhibición para este grupo, usó colorido intenso e impulsó al Arte Nuevo arabesco hacia una línea tensa casi mecánica.

Henri Clemens Van de Velde (1863-1957) arquitecto, pintor, diseñador y educador belga era la vertiente de un solo hombre. Sintetizó diferentes fuentes, incluyendo el Arte Nuevo francés el Movimiento de las Artes y los Oficios inglés y la Escuela Glasgow dentro de un estilo unificado.

Un ejemplo de su pedagogía teórica es la observación de que cuando se proyecta una sombra, origina una forma complementaria cuyo contorno es idéntico al contorno de la sombra. Argumentando que esta forma negativa es tan importante como el objeto que proyecta la sombra.

Van de Velde apoyaba el concepto de que todas las ramas del arte, desde la pintura al diseño gráfico y del diseño industrial a la escultura, compartían un lenguaje común de forma e igualdad de importancia para la comunidad humana. Consideraba los ornamentos no como decoraciones, sino como un medio de expresión que podía lograr la condición de un trabajo de arte.

El trabajo de Van de Velde evolucionó desde formas inspiradas por motivos de plantas e ideas simbólicas hasta el estilo abstracto.

FRANK LLOYD WRIGHT Y LA ESCUELA DE GLASGOW

Durante los últimos años de la década del año 1890, el trabajo del arquitecto americano Frank Lloyd Wright (1867-1959) empezaba a ser conocido por los artistas y diseñadores europeos; él era una inspiración para el diseñador que evolucionaba del Arte Nuevo curvilíneo hacia la fase rectilínea.

El Estudio y sus reproducciones de trabajos hechos por Beardsley y Toorop tuvieron una fuerte influencia sobre un grupo de jóvenes artistas escoceses, que se hicieron amigos en la Escuela de Arte de Glasgow. A este grupo estrechamente unido encabezado por Charles Rennie Mackintosh (1868-1928), se les unió J. Herbert McNair y dos hermanas, Margaret (1865-1933) y Frances Macdonald (1874-1921). En el año 1899 se casaron McNair y Frances y al año siguiente, lo hicieron Mackintosh y Margaret.

Conocida como la Escuela de Glasgow y también llamada los Cuatro Macs, estos jóvenes colaboradores desarrollaron un estilo único cuya originalidad lírica y complejidad simbólica fueron celebradas en el continente, especialmente en Viena, pero a menudo ignoradas en las Islas Británicas.

La Escuela de Glasgow desarrolló una composición más geométrica, combinando elementos florales y curvilíneos con fuertes estructuras rectilíneas. El tema del diseño principal de Mackintosh consiste en líneas que se elevan, a menudo con curvas sutiles en los extremos para combinar su unión con las horizontales. Ángulos rectos angostos, tiras altas de rectángulos y el contrapunto de óvalos, círculos y arcos caracterizan su trabajo. Las hermanas Macdonald tenían fuertes creencias religiosas y adoptaron ideas misticas y simbólicas. La confluencia de la estructura de Mackintosh con el mundo de sueños y fantasías de su esposa originó un estilo trascendental sin precedente que ha sido diversamente descrito como femenino, un mundo mágico de fantasía y de deprimente desasosiego.

Su modesta producción de diseño gráfico es uniformemente majestuosa. Entre sus seguidores que desarrollaron estilos personales inspirados por la Escuela de Glasgow, Jessie Marion King (1876-1949) desarrolló un estilo de ilustración imaginario y medieval, y Annie French (1872-1965), llegó a ser una prominente ilustradora de libros.

JUGENDSTIL Y NEUE SCHLICHKEIT

El Arte Nuevo llegó a Alemania, donde fue llamado Jugendstil (“estilo jóven”). El Arte Nuevo alemán tenía una fuerte influencia francesa y británica, pero aún conservaba fuertes vínculos con el arte académico precedente más tradicional. El interés alemán por la forma de letras medievales -Alemania fue el único país europeo que no reemplazó los tipos estilo textura por los estilos romanos del renacimiento-, continuó codo a codo con los motivos del Arte Nuevo.

Peter Behrens, es considerado como el primer diseñador industrial conocido (una persona entrenada visualmente, encargada del diseño de la estructura, operación y aparición de productos industriales de producción masiva).

Behrens creía que la belleza podía derivarse de la comodidad. Esta reacción filosófica contra el siglo XIX fue denominada Neue Shlichkeit (Nueva objetividad).

El historiador de arte inglés Herbert Read una vez hizo la observación de que la vida de cualquier tendencia de arte es como la de una flor. Un botón en manos de un reducido número de innovadores se convierte en una floración. Luego, se inicia el proceso de decadencia conforme la influencia se hace difusa y es falseada en manos de imitadores que no entienden las impetuosas pasiones que forjaron el movimiento, sino sólo las manifestaciones estilísticas. Después de finales del siglo, éste fue el destino del Arte Nuevo.

El Art Nouveau se mantuvo, decayendo lentamente, hasta que desapareció en las cenizas de la Primera Guerra Mundial. Su legado es una tracería de los sueños y estilos de vida de un breve verano indio la historia humana. Su resultado son los diseñadores del siglo XX que adoptaron, no su estilo, sino sus actitudes hacía los materiales, los procesos y también los valores.

LA INFLUENCIA DEL ARTE MODERNO

Las primeras dos décadas del siglo XX fueron una época de efervescencia y cambios insólitos que alteraron radicalmente todos los aspectos de la condición humana. El carácter de la vida social, política, cultural y económica sufrió un cataclismo. En Europa, la monarquía fue reemplazada por la democracia, el socialismo y el comunismo soviético. Los avances científicos y tecnológicos transformaron el comercio y la industria.

Las áreas subdesarrolladas del mundo comenzaron a despertar y a exigir su independencia. No resulta sorprendente que, en respuesta a esta turbulencia, las artes visuales hayan experimentado una serie de revoluciones creativas que cuestionaron sus valores, sistemas de organización y funciones sociales.

Ideas elementales del color y de la forma, la protesta social, las concepciones de la teoría psicoanalítica y de los estados emocionales más íntimos se apoderaron de muchos artistas. Mientras algunos de estos movimientos tuvieron una escasa influencia en el diseño gráfico, por ejemplo, el fauvismo y el expresionismo alemán, otros como el cubismo, el futurismo, el dadà, el surrealismo; la escuela de De Stijl, el suprematismo y el constructivismo tuvieron un impacto directo sobre el lenguaje gráfico de la forma y la comunicación visual de este siglo.

La evolución del diseño tipográfico del siglo XX está íntimamente relacionada con la pintura, la poesía y la arquitectura moderna. Casi podría decirse que el antagonismo entre la pintura cubista y la poesía futurista dio origen al diseño gráfico del siglo XX.

CUBISMO

Al crear un concepto del diseño independiente de la naturaleza, el cubismo inició una nueva tradición artística con un enfoque distinto, que terminó con 400 años de influencia renacentista en el arte pictórico.

La génesis de este movimiento es Les Demoiselles d`Avignon del año 1907, del artista español Pablo Picasso (1881-1973). Con base en las estilizaciones geométricas de la escultura africana y del pintor posimpresionista Paul Cèzanne (1839-1906), quien hizo notar que el artista debía “tratar la naturaleza en términos del cilindro, la esfera y el cono” esta pintura constituyo una nueva propuesta en el manejo del espacio y en la expresión de las emociones humanas. Las figuras se abstraen en planos geométricos y se rompen las normas clásicas de la figura humana. Las ilusiones espaciales y de la perspectiva dan lugar a un giro ambiguo de planos bidimensionales.

En los años siguientes, Picasso y su íntimo colaborador, Georges Braque (1881-1963) desarrollaron el cubismo como un movimiento artístico que sustituía la presentación de las apariencias con posibilidades infinitas de formas inventadas. Cubismo analítico es el nombre dado al trabajo de ambos en los años de 1910-1912. Analizaron los planos del tema desde diferentes puntos de vista y utilizaron estas percepciones para elaborar una pintura compuesta por planos geométricos rítmicos.

La fascinación impuesta por el cubismo analítico proviene de la tensión insoluble entre la atracción sensual y la intelectual de la estructura pictórica, en conflicto con el desafió de interpretar el tema.

En el año 1912. Picasso y Braque introdujeron elementos del collage de papel en su trabajo. El collage les daba libertad de composición, independientemente del tema y declaraban la realidad de la pintura como un objeto bidimensional. La textura de los elementos del collage podía significar objetos.

En el año 1913, el cubismo evolucionó hacia lo que ha recibido el nombre de cubismo sintético. Se representaba la esencia de un objeto y sus características básicas, más que su apariencia exterior.

Juan Gris (1887-1927) fue uno de los principales artistas plásticos en el desarrollo del cubismo sintético. Sus pinturas, combinaban la composición del natural con un diseño estructural independiente del espacio pictórico. Primero, trazaba una estructura arquitectónica rigurosa, usando las proporciones áureas y una red de composición modular, luego “colocaba el tema” sobre este esquema de diseño; influenció en la evolución del arte geométrico y del diseño.

Se unió al movimiento cubista Fernand Lèger (1881-1955); apartó al cubismo de los impulsos iniciales de sus fundadores. Lèger tomó mucho más seriamente que cualquier otro cubista la famosa sentencia de Cèzanne acerca del cilindro, la esfera y el cono.

Lèger pudo haber evolucionado hacia un arte de color puro y relaciones de forma, pero sus cuatro años de servicio militar entre ciudadanos franceses de la clase trabajadora y la intensa percepción visual que desarrolló durante la guerra lo hicieron volver los ojos hacia un estilo más accesible, sencillo y populista.

Sus estilizaciones casi pictográficas de la figura humana y de los objetos, fueron la inspiración principal del modernismo pictórico, que se convirtió en el estimulo fundamental del arte revivido del cartel de los años veinte. Las plastas planas de color, los movimientos urbanos y la precisión angulosa de las formas mecánicas de Lèger contribuyeron a definir la sensibilidad del diseño moderno después de la Primera Guerra Mundial.

FUTURISMO

El poeta italiano Filippo Marinetti (1876-1944) fundó el futurismo como un movimiento revolucionario en todas las artes para poner a prueba sus ideas y sus formas contra las realidades nuevas de la sociedad científica e industrial. El manifiesto proclamaba la pasión por la guerra, la era de las máquinas, la velocidad y la vida moderna. Impugnaban los museos, las librerías, el moralismo y el feminismo.

Marinetti y sus seguidores produjeron una poesía con una carga explosiva y emocional que desafiaba la sintaxis y la gramática ortodoxas.

Desde la invención del tipo móvil de Gutenberg, la mayor parte del diseño gráfico había tenido una vigorosa estructura horizontal y vertical. Los poetas futuristas lanzaban al viento estas restricciones. Liberados de la tradición, animaron sus paginas con una composición dinámica, no lineal, realizada por medio de palabras y letras pegadas en lugar de la reproducción fotográfica.

Pintores futuristas: Umberto Boccioni (1882-1916), Carlos Carrà (1881-1966), Luigi Russolo (1885- 1947), Giacomo Balla (1871-1958) y Gino Severini (1883- 1966); los pintores futuristas estuvieron fuertemente influenciados por el cubismo, pero también se aventuraron a expresar en su trabajo el movimiento, la energía y la secuencia cinemática. Fueron los primeros en emplear la palabra simultaneidad en el contexto del arte visual para representar la existencia o los acontecimientos concomitantes, tales como la presentación de diferentes perspectivas en una misma obra de arte.

Antonio Sant`Elia (1888- 1916) influyo en la corriente del diseño moderno, en particular del art deco. Las técnicas violentas, revolucionarias de los futuristas fueron adoptadas por los dadaístas, los contructivistas y la escuela de De Stijl.

El concepto futurista de convertir la escritura, la tipografía o ambas en formas visuales concretas y expresivas era una preocupación en algunos poetas de la antigüedad y se remonta, por lo menos, al poeta griego Simias de Rodas (alrededor de 33 a. de C.). Llamada poesía modelo, estos versos a menudo tomaban la forma de objetos o símbolos religiosos. En el siglo XIX, el poeta alemán Arno Holz (1863-1929) amplió los efectos de esta forma, por medio de trucos como la omisión de las mayúsculas y de puntuación, variaciones en el espaciado de las palabras para significar pausas y el empleo de más de un signo de puntuación para dar énfasis. En el libro de Lewis Carroll, Alicia en el país de las maravillas, se utilizaron tipos de tamaños descendentes y formas pictóricas para construir una forma semejante a la cola de un ratón, como parte del cuento que narraba una historia acerca de él.

Otro poeta francès, Guillaume Apollinaire (1880-1918), estuvo íntimamente ligado con los cubistas, particularmente con Picasso y tuvo gran rivalidad con Marinetti. Su contribución al diseño gráfico, única en su genero, fue la publicación en el año 1918 de su libro titulo “Caligramas”, poemas en los cuales las letras están dispuestas para formar un diseño, una figura o una pictografía visual. En estos poemas, explora la fusión potencial de la poesía y la pintura e intenta introducir el concepto de simultaneidad del tiempo y de la tipografía limite de la secuencia de la pagina impresa.

EL DADAISMO

El movimiento del dadaísmo se desarrolló espontáneamente como un movimiento literario.

Tristàn Tzara (1896-1963), exploró la poesía fonética, la poesía del absurdo y la poesía fortuita. Al reaccionar contra un mundo que se había vuelto loco, el dadaísmo afirmaba ser el ansiarte y poesía un fuerte elemento destructivo y negativo. Rechazando toda tradición, buscó la libertad total. Los dadaístas ni siquiera estaban de acuerdo en sus orígenes con el nombre de dadá, tal era la anarquía de este movimiento. Una historia cuenta que el movimiento fue bautizado por azar, al abrir un diccionario francés y apuntar rápidamente a una palabra, “dada”, el balbuceo de un bebé. Estos escritores y artistas estaban interesados en el escándalo, la protesta y lo absurdo.

Su rechazo del arte y la tradición permitió a los dadaístas enriquecer el vocabulario visual del futurismo. El dadaísmo mantuvo el concepto del cubismo acerca de las letras como formas visuales concretas, no sólo como símbolos fonéticos.

El pintor Marcel Duchamp (1887-1968) se unió al movimiento dadaísta y se convirtió en su artista visual más prominente.

Anteriormente había analizado sus temas como planos geométricos bajo la influencia del cubismo. Para Duchamp, el portavoz más claro del dadaísmo, tanto el arte como la vida eran procesos del azar y de la elección deliberada. Los actos artísticos se volvieron un asunto de decisión y selección individuales.

El dadaísmo se propagó rápidamente desde Zurich hacia otras ciudades europeas. A pesar de pretender que ellos no estaban creando arte, sino burlándose y difamando a una sociedad que se había vuelto loca, varios dadaístas produjeron un arte visual significativo que fue una aportación para el diseño gráfico. Los artistas dadaístas afirmaban haber inventado el fotomontaje, la técnica de manipular imágenes fotográficas fusionadas para elaborar yuxtaposiciones estremecedoras y asociaciones al azar.

La poesía que creaba la lógica contra el absurdo eran un tema importante. Schwitters definió a la poesía como la interacción de elementos: letras, sílabas, palabras, oraciones. A principios de los años veinte, el constructivismo se volvió una influencia adicional en el trabajo de Schwitters, después de ponerse en contacto con El Lissitzky y Théo van Doesburg, quienes invitaron a Schwitters a Holanda para promover el dadaísmo.

Heartfield, Wieland Herzfelde, era poeta, crítico e impresor del periódico Neue Jugend; puso en marcha la casa Malik Verlag, una editorial importante de la de la vanguardia dadaísta donde se publicaba propaganda política de izquierda y literatura de avanzada.

El pintor y artista gráfico George Grosz, otro miembro fundador del grupo dadaísta berlinés, su pluma mordas atacaba a la sociedad corrupta con la sátira y la caricatura. Abogó por una sociedad sin clases y sus dibujos proyectaban una fuerza colérica de convicciones políticas profundas en lo que él consideraba como un medio decadente, degenerado.

El dadaísmo fue el movimiento liberador más importante de su tiempo, y todavía en la actualidad es posible observar su influencia. El dadaísmo nació como una protesta contra la guerra.

André Breton (1896-1966), que se había incorporado al movimiento, el dadaísmo había perdido su relevancia y él surgió como el nuevo líder de un movimiento que habría de tomar direcciones nuevas. Finalmente, el dadaísmo, llevó sus actividades negativas hasta el límite, carecía de un liderazgo unificado y muchos de sus miembros comenzaron a desarrollar los planteamientos que darían origen al surrealismo; el dadaísmo decayó y dejó de existir como un movimiento coherente a finales del año 1922. los dadaístas como Schwitters y Heartfield continuaron evolucionando y produjeron su obra más refinada después de la disolución del movimiento.

EL SURREALISMO

Con raíces del dadaísmo y del grupo Littérature, integrado por escritores y poetas franceses jóvenes, el surrealismo irrumpió en la escena de París en el año 1924, buscando “lo más real que en el mundo real tras lo real” – el mundo de la intuición, los sueños y el reino de lo inconsciente explorado por Freud.

El surrealismo (“superrealidad” en francés) no era un estilo o un tema estético. Más bien, constituía una manera de pensar y de conocer, una forma de sentir y un modo de vida. El dadaísmo había sido negativo, destructor y continuamente exhibicionista; el surrealismo profesaba una fe poética en el hombre y en el espíritu.

Fue por medio de los pintores como el surrealismo afectó a la sociedad y a la comunicación visual. Aunque los surrealistas a menudo creaban imágenes tan personales que la comunicación se volvía imposible, también produjo imágenes cuyo sentimiento, símbolos o fantasía suscitaron una respuesta universal.

Giorgio de Chirico (1888- 1978), primer pintor surrealista; pintó obsesivamente vistas vacías de los palacios del Renacimiento italiano y cuadros que poseían una inmensa melancolía. Edificios vacíos, sombras crueles, una perspectiva en declive profundo e imágenes enigmáticas se combinaban para comunicar sentimientos más allá de la experiencia ordinaria.

Max Ernest, un inquieto dadaísta alemán que se unió al surrealismo, innovó varias técnicas adoptadas por la comunicación gráfica. Fascinado por los huecograbados en madera del siglo XIX de novelas y catálogos, Ernst los reinventó al emplear procedimientos del collage para crear imágenes extrañas. Su método de frottage incluía la utilización de frotados para componer directamente sobre el papel. Esta técnica permitió a Ernst liberar su imaginación intuitivamente por medio de imágenes sugestivas que podían ser reveladas a partir de frotaduras.

El dedalco es el proceso que Ernst usó para transferir figuras de un motivo impreso a un dibujo o pintura y le permitió incorporar una variedad de imágenes en su trabajo de manera inesperada. Esta técnica se había usado extensamente en ilustraciones, pinturas e impresiones.

Los pintores surrealistas figurativos fueron llamados naturalistas de lo imaginario. Espacio, color, perspectiva y figuras están representados en un naturalismo cuidadoso, pero la imagen es un escape en un sueño irreal. El surrealista belga René Magritte (1898-1867) empleó cambios de escala alternados y ambiguos; desafiando las leyes de la gravedad y de la luz, elaboró yuxtaposiciones insospechadas y mantuvo un diálogo poético entre la realidad y la ilusión, la objetividad y la ficción. Su prolífica colección de imágenes inspiró en gran parte a la comunicación visual.

El pintor español Salvador Dalí (1904- 1989) influyó de dos formas en el diseño gráfico. Sus penetrantes perspectivas han inspirado intentos de llevar la profundidad a la página impresa plana; su enfoque realista de la simultaneidad ha sido utilizado para introducir este efecto en los carteles y portadas de libros.

En el trabajo de Joan Miró (nacido en 1893) y Hans Arp (1887- 1966), el automatismo visual (dibujo y caligrafía con base en un flujo de conciencia intuitivo) es usado para crear expresiones espontáneas de la vida interior. Miró desarrolló un proceso de metamorfosis por medio del cual sus motivos evolucionaron intuitivamente hacia formas orgánicas misteriosas. Arp experimentó con armonías imprevistas y casuales. Las formas elementales, orgánicas y la composición abierta de estos dos artistas fueron incorporadas al diseño, particularmente durante los años cincuenta.

El impacto del surrealismo en el diseño gráfico ha sido diverso. Proporcionó un ejemplo poético de la liberación del espíritu humano, fue pionero de las técnicas nuevas y demostró cómo la fantasía y la intuición podían ser expresadas en términos visuales.

LA FOTOGRAFÍA Y EL MOVIMIENTO MODERNO

Era inevitable que el nuevo lenguaje visual de los movimientos modernos, preocupados por el punto, la línea, el plano, la forma y la textura, así como por la relación entre estos elementos visuales comenzará a influir en la fotografía, del mismo modo que el futurismo y las proposiciones dadaístas habían impactado a la tipografía en el diseño gráfico. La fotografía fue inventada como un medio para documentar la realidad con mayor exactitud que pintura; a principios de siglo, la pintura impulsó a la fotografía en el nuevo reino de la abstracción y del diseño.

Los conceptos, las imágenes y los métodos de organización visual del cubismo, del futurismo, del dadaísmo y del surrealismo proporcionaron conocimientos y procedimientos invaluables para los diseñadores gráficos. Los innovadores de estos movimientos que se atrevieron a recorrer el camino solitario de las posibilidades artísticas no exploradas, continúan influyendo a los artistas hasta nuestros días.

EL MODERNISMO PICTÓRICO

El cartel europeo de la primera mitad del siglo XX es una continuación de los anuncios de la década del año 1890, pero su rumbo fue poderosamente afectado por los movimientos artísticos modernos y por las necesidades de comunicación de las dos Guerras Mundiales.

Influenciados por el cubismo y por el constructivismo, y sin embargo conocedores de la necesidad de mantener una referencia gráfica si sus carteles deseaban comunicarse persuasivamente con el público en general, los diseñadores gráficos comprometidos con el cartel caminaron por la cuerda floja entre la creación de imágenes expresivas y simbólicas, y su interés por la organización visual total del plano ilustrado.

EL CARTEL EN BERLIN

Lucien Bernhard (1883-1972), había llevado al cartel visual un paso adelante en el proceso de simplificación y reducción del naturalismo en el lenguaje gráfico de las formas; estableció una proposición del cartel al emplear formas de colores lisos, el nombre y la imagen del producto.

Julius Klinger; su estilo osciló desde el art nouveau floral hasta las formas bidimensionales decorativas de colores claros, brillantes y una rotulación sencilla y concisa.

Bernhard desarrolló un estilo de letras sans-serif, realizadas en pinceladas gruesas. Creó un alfabeto compacto de caracteres únicos en su género.

Bernhard era un innovador. Su labor debe ser considerada como la conclusión lógica del movimiento del cartel. Al mismo tiempo, el énfasis en la reducción, la forma minimalista y la simplificación anticiparon el movimiento constructivista.

EL CARTEL VA A LA GUERRA

El cartel alcanzó el cenit de su importancia como medio de comunicación durante la Primera Guerra Mundial (1914-1918). La tecnología tipográfica había sido perfeccionada y la radio y otros instrumentos electrónicos de comunicación pública aún no adquirían importancia. En este conflicto mundial, los gobiernos recurrieron al cartel como la forma principal de propaganda y de persuasión visual.

Los carteles de las potencias centrales (dirigidas por Alemania y Austro-Hungría) y de los Aliados (guiados por Francia y Gran Bretaña, los cuales posteriormente se unieron los Estados Unidos en el año 1917) fueron radicalmente distintos. En Alemania y Astro-Hungría dominaba el enfoque del diseño que continuaba las tradiciones de la secesión vienesa y de Bernhard. Palabras e imágenes fueron integradas y la esencia de la comunicación fue expresada al simplificar las imágenes en formas y modelos poderosos.

La propaganda bélica de Julius Klinger fue reducida a símbolos gráfico de guerra simples.

Bernhard adoptó un enfoque muy gótico en varios de sus carteles bélicos.

Los carteles británicos hacían un llamado a la necesidad de proteger los valores tradicionales, el hogar y la familia.

Una de las funciones del cartel era ensalzar a los soldados del país y crear un culto alrededor de los líderes nacionales; o de figuras simbólicas, ridiculizar o desacreditar a los líderes de las fuerzas enemigas era otra.

EL DISIDENTE DE MUNICH

Ludwig Holwein (1874-1949) evolucionó junto con las condiciones sociales cambiantes. Los hermanos Beggerstaff fueron su inspiración inicial y, durante los años anteriores a la Primera Guerra Mundial, Holwein se complacía en reducir sus imágenes a formas planas. Sin embargo, a diferencia de los Beggarstaff y de su rival berlinés Bernhard, en sus imágenes Holwein aplicó una rica gama de texturas y modelos decorativos.

Adolf Hitler, afirmó que la propaganda, incluyendo al cartel, “debe dirigirse a las emociones y sólo en un grado limitado, al llamado intelecto”. Hitler abogaba por una propaganda donde el nivel de contenido estuviera dirigido hacia la persona menos culta del público, usando solamente formas simples, hechas con base de fórmulas estereotipadas. Hitler estaba convencido de que los carteles empleados en Alemania, incluso con el diseño más artístico, eran menos eficaces que el trabajo conceptualmente más sencillo, pero más ilustrativo, de Inglaterra y Estados Unidos. Hitler tenía una habilidad casi espectral para la propaganda visual.

Fue inevitable que el partido nazi encargara a Holwein una multiplicidad de carteles, pues la evolución de su trabajo coincidía perfectamente con el concepto de la propaganda eficaz de Hitler.

Holwein se volvió hacia un estilo militar e imperialista bien delineado de formas sólidas, pesadas y de fuertes contrastes tonales.

EL MODERNISMO GRÁFICO POSCUBISTA

Paul Colin (nacido en 1892) es el diseñador más prolífico y constante de las proposiciones del art deco o del enfoque del modernismo pictórico del diseño gráfico.

Joseph Binder (1898-1972) combinaba influencias, incluyendo a Kolomon Moser y al cubismo, en un estilo de diseño gráfico ilustrado con una poderosa fuerza comunicativa. El sello de su obra consistía en reducir las imágenes naturales a formas y figuras básicas como el cubo, la esfera y el cono, así como en utilizar, de lado a lado, formas de dos colores planos, uno junto al otro, para representar las partes de luz y sombra de una figura u objeto.

Art deco, este término, acuñado a fines de los años sesenta como el nombre de los estilos geométricos populares de la década de los veinte, es la expresión no de un movimiento, sino de la sensibilidad estética general de la década. La influencia del cubismo, de Bauhaus y de Viena se mezclaron con la escuela de De Stijl, el suprematismo y la afición por los motivos egipcios, aztecas y asirios.

Tan seguros como que el art nouveau constituyó un estilo de diseño dominante a finales del siglo, el art deco era un estilo de diseño dominante en las décadas entre las dos Guerras Mundiales. Una geometría aerodinámica, en zigzag, moderna y decorativa, términos que expresaban los deseos simultáneos de interpretar la era moderna de las máquinas y, al mismo tiempo, satisfacer la pasión por la decoración.

En Alemania muchos diseñadores gráficos emplearon el color y el plano para construir imágenes gráficas.

El diseñador británico Abraham Games (nació en 1914) fue el último diseñador gráfico importante de la filosofía del modernismo gráfico.

Games dijo: el mensaje debe ser dado rápido y vívidamente, de tal manera que el interés que sea retenido subconscientemente… La disciplina de la razón condiciona la expresión del diseño… El diseñador construye, enrolla el resorte y el resorte salta. El ojo del espectador queda atrapado.

Buscó el uso de imágenes y formas ordinarias organizadas de manera diferente.

El modernismo pictórico europeo constituía una proposición diseñada para la creación de ilustraciones gráficas, dirigidas a la integración total de la palabra y de la imagen.

UN NUEVO LENGUAJE DE LA FORMA

El modernismo gráfico no fue la única corriente importante del diseño gráfico en Europa. Mientras que en Inglaterra Kauffer exploraba la aplicación de los planos del cubismo sintético al cartel, en Holanda y en Rusia, un enfoque más tipográfico y formal del diseño gráfico surgía donde los artistas veían claramente las implicaciones del cubismo. Con la invención de la forma pura, el arte visual avanzó más allá del umbral del conjunto de las imágenes gráficas.

Un espíritu de innovación estaba presente en todas las artes visuales, las ideas flotaban “en el aire” y, para fines de la Primera Guerra Mundial , los diseñadores gráficos, los arquitectos y los diseñadores de productos comenzaron a desafiar energéticamente las ideas prevalecientes acerca de la forma y la función.

EL SUPREMATISMO Y EL COSTRUCTIVISMO RUSOS

El arte ruso ejerció una influencia internacional en el diseño gráfico y la tipografía del siglo XX.

La vanguardia rusa tenía suficientes rasgos comunes con el cubismo y el futurismo para acuñar el término cubofuturismo. La experimentación en la tipografía y el diseño caracterizaron los libros y los periódicos de los artistas futuristas, presentando trabajos por medio de la comunidad artística, visual y literaria. Simbólicamente, los libros futuristas rusos fueron una reacción contra los valores de la Rusia zarista. La utilización de papel rústico, de métodos de producción artesanal y de agregados hechos a mano expresaban la pobreza de la sociedad campesina.

Kasimir Malevich (1878-1935) fundo un estilo de pintura de formas básicas y de color puro al que llamó suprematismo.

Malevich creó una abstracción Geométrica elemental que era nueva, no objetiva y pura; buscaba “la expresión suprema del sentimiento, sin buscar valores prácticos, ni ideas, ni la tierra prometida”. Pensador lógico con un conocimiento lúcido, Malevich se dio cuenta de que la esencia de la experiencia artística es el efecto perceptivo del color.

Vladimir Tatlin (1885-1953) y Alexander Rodchenko (1891-1956), y 25 artistas más en el año 1921, propusieron un punto de vista contrario, cuando renunciaron al “arte por el arte” para consagrarse al diseño industrial, la comunicación visual y las artes aplicadas al servicio de la nueva sociedad comunista.

Tatlin cambio de la escultura al diseño de una estufa que daría el máximo de calor con un mínimo de combustible; Rodchenko abandonó la pintura por el diseño gráfico y el periodismo fotográfico.

Uno de los primeros intentos para formular una ideología constructuvista fue el folleto Konstruktivizm del año 1922, de Aleksei Gan (1893-1942).

Gan escribió que los tres principios del constructivismo son la arquitectura, la textura y la construcción. La arquitectura representaba la unificación de la ideología comunista con la forma visual. La textura significaba la naturaleza de los materiales y como son empleados en la producción industrial. La construcción simbolizaba el proceso creativo y la búsqueda de leyes de organización visual.

Quien mejor llevó a cabo el ideal constructivista fue Lissitky (1890-1941) pintor, arquitecto, diseñador gráfico y fotógrafo. Desarrolló un estilo de pintura al cual denominó PROUNS (abreviatura de “proyectos para el establecimiento -afirmación- de un arte nuevo”)

Lissitky llamaba PROUNS a “un estado de intercambio entre la pintura y la arquitectura”. Esto describe su síntesis de los conceptos de la arquitectura con la pintura; también muestra que el PROUNS señalaba el camino para la aplicación de los conceptos de la forma y del espacio en la pintura moderna al diseño aplico.

Como diseñador gráfico, Lissitky no decoraba el libro, lo construía al programar visualmente el objeto completo.

La composición tipográfica y las imágenes fotográficas eran empleadas como material de construcción para armar páginas, portadas y carteles.

El formato desarrollado por Lissitky para este libro constituye un paso importante en la creación de un programa visual para ordenar la información.

La red vertical de tres columnas utilizadas para el texto, la red horizontal de tres columnas empleada para la portada y la estructura a dos columnas de la página de contenido se convirtió en una armazón arquitectónica para organizar las páginas ilustradas.

EL MOVIMIENTO DE STIJL

En Holanda, el último verano del año 1917 marcó la formación del movimiento y del periódico De Stijl.

Piet Mondrian (1872-1944) constituyó una fuente a partir de la cual se desarrollaron la filosofía y las formas visuales De Stijl.

Mondrian evolucionó de la pintura del paisaje tradicional hacia un estilo simbólico, influenciado por Van Gogh, que expresaba las fuerzas de la naturaleza. En los años siguientes, eliminó todo indicio de los elementos representativos y evolucionó del cubismo hacia una abstracción geométrica pura.

Mondrian creía que en el arte visual, la realidad objetiva es alcanzada por medio del movimiento dinámico en equilibrio. Las artes plásticas afirman que el equilibrio sólo puede establecerse a través del balance de contrastes desiguales, pero equivalentes. La clasificación del equilibrio por medio de las artes plásticas es de gran importancia para la humanidad… La tarea del arte es expresar una visión clara de la realidad.

Los artistas De Stijl buscaron una expresión de la estructura matemática del universo y de la armonía universal de la naturaleza.

De Stijl buscaba las leyes universales que gobiernan la realidad visible, pero que se encuentran escondidas por las apariencias externas de las cosas.

Para los artistas De Stijl, la belleza proviene de la pureza absoluta de la obra. De Stijl abogaba por la absorción del arte puro por medio del arte aplicado.

A principios de los años veinte, comenzó el impacto De Stijl en la arquitectura, en el diseño industrial y en la tipografía.

La búsqueda de un arte puro de relaciones visuales iniciado en Holanda y en Rusia, había permanecido como una preocupación importante en las disciplinas visuales durante el siglo XX. Una de las tendencias dominantes del diseño gráfico ha sido la aplicación d esta sensibilidad geométrica para dar orden a la página impresa.

Malevich y Mondrin utilizaron líneas, formas y colores puros para crear en universo de relaciones puras ordenadas armoniosamente. Esto fue visto como un prototipo quimérico para un nuevo orden mundial. Mondrian escribió que el arte “desaparecía en la misma proporción que la vida gana equilibrio”. Para unificar los valores sociales y humanos, la tecnología y la forma visual se convirtieron en el objetivo de quienes se empeñaron en lograr una arquitectura y un diseño gráfico diferentes.

LA BAUHAUS Y LA NUEVA TIPOGRAFÍA

La bauhaus era la consecuencia lógica de la inquietud alemana por mejorar el diseño dentro de una sociedad industrial que vio sus orígenes en el principio del siglo.

Mientras el movimiento inglés de Artes y Oficios creía que la artesanía era superior a la producción mecánica. Hermann Muthesius (1861-1927), argüía apasionadamente a favor de la estandarización y del valor de la máquina con fines de diseño. Veía que la simplicidad y la exactitud eran tanto una demanda funcional de la fabricación mecánica como un aspecto simbólico de la eficiencia y del poder industrial del siglo XX.

Henri van de Velde también ejerció una influencia importante. Durante la década del año 1890, él declaró que el ingeniero era el nuevo arquitecto e hizo un llamado al diseño lógico para emplear tecnologías nuevas y materiales científicos: hormigón armado, acero, aluminio y linóleum.

LA BAUHAUS EN WEIMAR

Los años de la Bauhaus en Weimar (1919-1924) fueron intensamente visionarios. Caracterizados por un deseo utópico de crear una sociedad espiritualmente nueva, la primera Bauhaus buscaba una unidad innovadora entre artistas y artesanos para construir el futuro.

En la Bauhaus, no se hacia distinción entre las bellas artes y el arte aplicado. Lo fundamental de la educación en la Bauhaus era el curso preliminar, establecido inicialmente por Johannes Itten (1888-1967). Sus objetivos eran liberar las aptitudes creativas de cada estudiante, desarrollar una comprensión de la naturaleza física de los materiales y enseñar los principios fundamentales del diseño, que son la base de todo arte visual.

La Bauhaus estaba evolucionando de un interés por el medievalismo, el expresionismo y la artesanía hacia un mayor énfasis en el racionalismo y el diseño de máquinas.

La Bauhaus y la corriente De Stijl tenían objetivos similares. Las áreas del diseño de mobiliario y la tipografía fueron especialmente influenciadas por la corriente De Stijl.

Los conflictos continuos entre la Bauhaus y el gobierno llevaron a las autoridades a insistir en que aquella debía montar una exhibición de primera magnitud para demostrar sus logros. Para esta exposición en el año 1923, a la que asistieron 15 000 personas y dio reconocimiento mundial a la Bauhaus, el medievalismo romántico y el expresionismo estaban siendo reemplazados por un énfasis en el diseño aplicado, al grado de que Gropius cambió el lema “Por la unidad del arte y la artesanía” por el de “Arte y tecnología, una unidad nueva”.

EL IMPACTO DE LASZLO MOHOLY-NAGY

La pasión de Laszlo Moholy-Nagy por la tipografía y la fotografía inspiraron el interés de la Bauhaus en la comunicación visual y la condujeron a realizar experimentos importantes en al unidad de la tipografía y la fotografía. Moholy-Nagy veía al diseño gráfico, especialmente al cartel, evolucionar hacia la fototipografía. A esta integración objetiva de la palabra y la imagen, para comunicar un mensaje con independencia absoluta, la llamó “nueva literatura visual”.

Moholy-Nagy empleaba la cámara como un instrumento de diseño.

En el año 1922 comenzó a experimentar con fotogramas; al año siguiente inició su fotoplástica. Moholy-Nagy veía al fotograma como una representación de la esencia de la fotografía. Sin cámara, el artista puede capturar la interacción copiada de luz y sombra sobre una hoja de papel fotosensible.

Moholy-Nagy consideraba su fotoplástica no como una técnica del collage, sino como un proceso deformado para alcanzar una expresión novedosa, que podía ser más creativa y más funcional que la fotografía directamente imitativa. La fotoplástica podía ser humorística, visionaria, persuasiva o intelectual. Comúnmente, tiene añadiduras dibujadas, asociaciones complejas y yuxtaposiciones sorprendentes.

LA BAUHAUS EN DESSAU

Durante el periodo Dessau (1925-1932), la identidad y la filosofía de la Bauhaus se desarrollaron completamente. Las influencias de De Stijl y los constructivistas eran obvias, pero la Bauhaus no copió solamente estos movimientos, más bien, entendió de manera clara los principios formales que ya habían sido desarrollados para aplicarlos inteligentemente a problemas de diseño.

En el año 1926., la Bauhaus recibió el nombre de Hochshule for Gestaltung (Escuela Superior de la Forma) y se inició la publicación de la revista Bauhaus.

Esta revista y las series de 13 libros de la Bauhaus, se convirtieron en vehículos importantes para difundir las ideas avanzadas acerca de la teoría del arte y sus aplicaciones a la arquitectura y al diseño.

Herbert Bayer, introdujo al taller notables innovaciones en el diseño tipográfico. Diseñó un tipo universal que redujo el alfabeto a formas claras, simples y construidas racionalmente.

Bayer eliminó las letras mayúsculas en el año 1925, arguyendo que imprimimos y escribimos con dos alfabetos (mayúsculas y minúsculas) que son incompatibles dentro del diseño, y que empleamos dos signos totalmente diferentes (A mayúscula y a minúscula) oara expresar el mismo sonido.

El periodo de Bayer en la Bauhaus se caracterizó por la composición dinámica con horizontales y verticales pronunciadas.

LOS AÑOS FINALES DE LA BAUHAUS

En el año 1931, el partido nazi dominaba el Consejo de la Ciudad de Dessau y canceló los compromisos con los profesores de la Bauhaus en el año 1923. Mies trató de dirigir la Bauhaus en una fábrica de teléfonos vacía en Berlín-Steglitz, pero el acosos nazi hizo insostenible su continuación. La GESTAPO exigía que los bolcheviques culturales “fueran destituidos y reemplazados por simpatizantes nazis. Los profesores votaron por disolver la Bauhaus y fue cerrada el 10 de agosto de 1933. Así terminó la escuela de diseño más importante d eeste siglo.

Moholy-Nagy estableció la Nueva Bauhaus (ahora el Instituto de Diseño) en Chicago. Los logros y las influencias de la Bauhaus transcendieron sus 14 años de vida, sus 33 profesores y sus cerca de 1 250 estudiantes. Creó un estilo de diseño viable, moderno, que ha influido en la arquitectura, el diseño de productos y ña comunicación visual. Desarrolló un enfoque nuevo de la educación visual.

Al disolver los límites entre las bellas artes y las artes aplicadas, la Bauhaus trató de establecer una estrecha relación entre el arte y la vida por medio del diseño, el cual era visto como un vehículo para el cambio social y revitalización cultural.

JAN TSCHICHOLD Y LA NUEVA TIPOGRAFÍA (DIE NEUE TYPOGRAPHE)

Aunque la gran parte de la innovación creadora en el diseño gráfico durante las primeras décadas del siglo XX tuvo lugar como parte de los movimientos de arte moderno, varios diseñadores, trabajando independientemente de estos movimientos o de la Bauhaus, hicieron aportaciones significativas al desarrollar lo que se ha denominado “la nueva tipografía”.

Jan Tschichold (1902-1974) fue el principal responsable del desarrollo de las teorías sobre de la aplicación de las ideas constructivistas a las tipografía, y de introducirla más ampliamente.

Por medio de artículos y libros escritos durante la década de los años veinte, explicó y dio a conocer la tipografía asimétrica a un público amplio de impresores, cajistas y diseñadores.

Molesto con los “tipos de letras y composiciones degeneradas”, buscaba empezar y encontrar una tipografía nueva que expresara el espíritu, la vitalidad y la sensibilidad visual de su época.

La nueva tipografía radical rechazaba la decoración a favor de un diseño racional, planeado únicamente para efectos de comunicación. Sin embargo, funcionalismo no es un sinónimo exacto de la nueva tipografía.

El movimiento moderno buscaba un contenido espiritual y una belleza más estrechamente ligada a los materiales empleados, “pero cuyos horizontes están situados mucho más lejos”.

Los tipos sans-serif, en una gama de pesos (luminoso, medio, negrita, negrita extra, cursiva) y tañamos (condensada, normal, seminegra, negra, extendida), fueron declaradas como el tipo moderno.

Tschichold demostró cómo los movimientos de arte moderno podían relacionarse con el diseño gráfico al sintetizar con experimentos nuevos su concepción práctica de la tipografía y sus tradiciones.

La nueva tipografía había sido una reacción contra el caos y la anarquía en la tipografía alemana (y suiza) del año 1923.

Tschichold comenzó a sentir que el diseñador gráfico debería trabajar dentro de una tradición humanista que trascendiera los tiempos y que proviniera del conocimiento y los logros de los maestros de la tipografía del pasado. También sentía que la nueva tipografía era adecuada para publicar productos industriales y para la comunicación acerca de la pintura y la arquitectura contemporáneas. Sin embargo, era una locura emplearlo para un libro de poesía barroca, por ejemplo, y decía que leer textos largos en sans-serif era “una auténtica tortura”.

BIBLIOGRAFÍA

MEGGS, PHILIP

HISTORIA DEL DISEÑO GRÁFICO

EDITORIAL TRILLAS

MÉXICO 1991

DORFIKES, GUILLO

ULTIMAS TENDENCIAS DEL ARTE HOY

EDITORIAL ALINZA

MADRID 1986